{"id":45755,"date":"2026-08-25T12:47:56","date_gmt":"2026-08-25T10:47:56","guid":{"rendered":"https:\/\/www.atmosferamag.it\/?p=45755"},"modified":"2026-08-25T12:47:14","modified_gmt":"2026-08-25T10:47:14","slug":"theo-pinto-cadogan-gallery-london-intervista","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.atmosferamag.it\/it\/theo-pinto-cadogan-gallery-london-intervista\/","title":{"rendered":"Theo Pinto, dipingere la luce per sentirsi ancorati al presente e raggiungere uno stato di quiete, chiarezza e stupore."},"content":{"rendered":"\t\t
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Cover: Theo Pinto nel suo studio, Foto Frank Frances, Courtesy Cadogan Gallery.<\/h6>
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Formatosi in architettura e design, <\/span>Theo Pinto<\/b><\/a><\/span><\/span> (1990), artista originario del Brasile e attivo a New York, non ha mai smesso di essere affascinato dai concetti di scala e proporzione e dall\u2019esperienza che pu\u00f2 nascere da uno sguardo prolungato su un\u2019immagine o un progetto<\/b>. Una componente razionale che, nei suoi dipinti, si fonde con la ricerca costante di quella che lui stesso definisce \u201cinner-light\u201d (luce interiore): una dimensione spirituale che emerge negli stati transizionali della luce, come il crepuscolo, l\u2019alba e il graduale dissolversi del giorno nella notte<\/b>, momenti in cui l\u2019atmosfera appare instabile e in continuo cambiamento. Spirituale, dicevamo, da non confondere con nulla di religioso o simbolico, nel senso tradizionale del termine.<\/span><\/p><\/div><\/div>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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La luce, per Pinto, \u00e8 qualcosa da rappresentare proprio nella sua natura instabile, inconsistente e impossibile da possedere<\/b>. \u00abIl mio lavoro nasce da una distanza che non sono ancora riuscito a colmare: quella tra lo stato in cui vivo e quello che sto cercando. La pittura \u00e8 diventata un modo per rallentare le cose. E cos\u00ec, la superficie opaca della tela assorbe, piuttosto che rifletterla, la luce di un cielo o di un paesaggio creando, livello dopo livello, distese di colore che progressivamente si allontanano dal loro riferimento iniziale<\/b>. \u00abAll\u2019inizio della mia carriera mi sentivo molto ancorato a quei riferimenti. Ora mi interessa pi\u00f9 che il dipinto evolva da s\u00e9. I miei momenti preferiti sono quelli in cui cominciano a dirmi qualcosa che non mi aspettavo\u00bb. Ed \u00e8 proprio di questo percorso, e di questo processo, che ho voluto sapere di pi\u00f9. Un incontro che ha coinciso con la conclusione della sua mostra personale <\/i><\/span>The Weight of Light<\/i><\/a><\/span><\/span> <\/i>alla <\/span>Cadogan Gallery di Londra<\/b><\/a><\/span><\/span>.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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1. The Weight of Light alla Cadogan Gallery, Londra, installation view. Foto courtesy Cadogan Gallery.<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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1. I tuoi dipinti prendono forma attraverso un lento processo di stratificazione, levigatura e aggiustamento tonale, che si conclude solo quando la luce sembra acquisire una presenza quasi fisica, un corpo, persino un certo peso. Quanto ha influito, su questo modo di costruire la luce, la tua formazione in architettura e design?<\/strong><\/p>

Credo che l\u2019architettura mi abbia insegnato che l\u2019esperienza \u00e8 qualcosa che si costruisce. Quando progetti un edificio, non stai semplicemente creando un oggetto. Pensi a come una persona si muove nello spazio, a come i materiali ricevono la luce, a come le proporzioni influenzano il corpo di chi lo attraversa, a come l\u2019atmosfera cambia nel corso della giornata. Sono riflessioni che non mi hanno mai abbandonato realmente. A un certo punto, credo che la pittura sia semplicemente diventata un altro modo per esplorarle.<\/strong> Ci\u00f2 che mi interessa non \u00e8 rappresentare la luce come un\u2019immagine, ma dare forma a una superficie che le permetta di comportarsi in un determinato modo. Ogni strato, ogni passaggio di levigatura, ogni minima regolazione modifica il modo in cui il dipinto trattiene la luce. A volte, togliere pittura crea pi\u00f9 luminosit\u00e0 che aggiungerne.<\/strong> Il processo \u00e8 lento perch\u00e9 cerco di eliminare tutto ci\u00f2 che mi sembra superfluo, fino a quando \u00e8 la luce stessa a diventare il soggetto. Idealmente, ci\u00f2 che rimane non \u00e8 soltanto la rappresentazione della luce, ma l\u2019esperienza stessa della luce.<\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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2. Crepuscolo, 2026. Foto Jason Mandella. Courtesy Cadogan Gallery.<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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2. Molte delle tue opere sembrano nascere da stati transitori della luce: l\u2019alba, il crepuscolo, il dissolversi graduale del giorno nella notte. Cos\u2019\u00e8 che, nello specifico, ti attrae maggiormente di questi momenti di passaggio rispetto alla luce nei suoi stati pi\u00f9 \u201cstabili\u201d o \u201cdefiniti\u201d?<\/strong><\/p>

Me lo sono chiesto spesso. All\u2019inizio pensavo di essere semplicemente attratto dalla bellezza dell\u2019alba e del tramonto, ma con il tempo ho capito che non si trattava davvero dei colori. Si trattava piuttosto di ci\u00f2 che quei momenti riescono a far scaturire in noi. Gran parte della giornata trascorre quasi senza che ce ne accorgiamo. Raramente facciamo esperienza del tempo in s\u00e9. Ma durante un\u2019alba o un tramonto, il cambiamento diventa visibile, percepibile. Possiamo letteralmente osservare il mondo trasformarsi, passare da uno stato a un altro. E, in qualche modo, questo ci ancora al presente. <\/strong>Credo sia per questo che, in ogni parte del mondo, le persone si fermano a guardare il tramonto. \u00c8 uno dei pochi momenti in cui ci viene ricordato che tutto sta cambiando, noi compresi. I miei dipinti non rappresentano un momento preciso della giornata. Cercano piuttosto di trattenere, un po\u2019 pi\u00f9 a lungo, quella particolare qualit\u00e0 dell\u2019attenzione.<\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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3. Under A Harvest Moon, 2026. Foto Jason Mandella. Courtesy Cadogan Gallery.<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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3. Fai spesso riferimento a una \u201cinner light\u201d (luce interiore). In che modo si relaziona alla luce esterna? E dove, nel tuo lavoro, le due si incontrano?<\/strong><\/p>

La luce esterna \u00e8 la prima ad attirare la mia attenzione, ma non \u00e8 mai il vero punto di arrivo. <\/strong>A tutti capita di vivere momenti in cui un paesaggio, un brano musicale o una particolare qualit\u00e0 della luce riescono d\u2019un tratto a modificare il nostro stato d\u2019animo. L\u2019esperienza avviene al di fuori di noi, eppure riesce a cambiare qualcosa dentro di noi. \u00c8 questo che a me interessa. <\/strong>Vedo nei dipinti un luogo d\u2019incontro tra questi due mondi. Nascono dall\u2019osservazione, ma lentamente si allontanano dal mondo visibile per dirigersi verso qualcosa di pi\u00f9 interiore. Non un\u2019idea, ma uno stato dell\u2019essere. Quando parlo di luce interiore, mi riferisco in realt\u00e0 proprio a quei momenti di chiarezza, presenza o connessione cos\u00ec difficili da trattenere. La pittura \u00e8 diventata, per me, un modo per ritornarvi.<\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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4. The Light in You, 2026. Foto Jason Mandella. Courtesy Cadogan Gallery.<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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4. Il tema della luce racchiude una lunga storia di ricerca filosofica, spirituale e artistica. Ci sono, in questo senso, riferimenti che hanno influenzato il tuo modo di comprenderla o ai quali ti ritrovi a tornare mentre lavori a un dipinto?<\/strong><\/p>

Credo che il mio modo di vedere la luce sia stato plasmato dalla mia pratica spirituale tanto quanto dall\u2019arte. <\/strong>Trascorrere del tempo in India e studiare le tradizioni contemplative ha cambiato per sempre la mia percezione della luce e il mio rapporto con la pittura. Mi sono interessato sempre meno a descrivere ci\u00f2 che vedevo e sempre di pi\u00f9 a creare un\u2019esperienza capace di racchiudere qualcosa della quiete, della presenza o di quel senso di meraviglia che provavo. Naturalmente, alcuni artisti hanno avuto una profonda influenza su di me. Turner, Rothko, James Turrell e architetti come Frank Lloyd Wright, Tadao Ando e Peter Zumthor hanno ampliato il mio modo di pensare alla luce, al colore e allo spazio. Ma non torno al loro lavoro in cerca di risposte o soluzioni. Ci torno perch\u00e9 mi ricordano che la luce non \u00e8 semplicemente qualcosa che vediamo: \u00e8 qualcosa di cui facciamo esperienza.<\/strong> Guardando indietro, credo che tutti loro stessero esplorando lo stesso mistero, semplicemente attraverso linguaggi diversi.<\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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5. The Weight of Light alla Cadogan Gallery, Londra, installation view. Foto courtesy Cadogan Gallery.<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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5. Descrivi la pittura non tanto come produzione di immagini, quanto come la \u201ccostruzione di una condizione\u201d. Quale?<\/strong><\/p>

Per me \u00e8 una condizione di attenzione. La pittura \u00e8 diventata un modo per rallentare la mia mente. <\/strong>Come molte persone, so cosa significa sentirsi trascinati in cento direzioni diverse, contemporaneamente. Il mio studio \u00e8 infatti uno dei pochi luoghi in cui riesco a rimanere abbastanza a lungo su qualcosa da permetterle, lentamente, di rivelarsi. Spero che i miei dipinti possano offrire qualcosa di simile.<\/strong> Non una spiegazione o un messaggio, ma un\u2019esperienza in cui lo sguardo possa diventare pi\u00f9 lento, pi\u00f9 silenzioso, pi\u00f9 paziente. Uno spazio in cui, anche solo per un momento, possiamo diventare pi\u00f9 consapevoli delle sottili variazioni di colore, luce e tempo e, forse, persino di noi stessi. Non credo che l\u2019opera cambi perch\u00e9 la comprendiamo. Credo che cambi perch\u00e9 rimaniamo con essa.<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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6. Studio dell\u2019artista. Foto FrankFrances. Courtesy Cadogan Gallery.<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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6. I tuoi dipinti sono costruiti attraverso geometrie, suddivisioni e relazioni tra colori caldi e freddi. Mentre dipingi, ti lasci guidare maggiormente dalla tua percezione o da quella che vuoi creare per chi l’osserva?<\/strong><\/p>

La geometria, in realt\u00e0, \u00e8 un elemento relativamente nuovo nel mio lavoro. Per molti anni, la superficie si \u00e8 sviluppata in maniera pi\u00f9 omogenea e continua. \u00c8 con questo corpus di opere (si riferisce a quelle esposte nella mostra alla Cadogan Gallery) che ho iniziato a introdurre, in maniera discreta, alcune suddivisioni. Non perch\u00e9 volessi rendere le composizioni pi\u00f9 geometriche, ma perch\u00e9 mi interessava capire come delle piccole interruzioni potessero modificare l\u2019esperienza dello sguardo. Queste divisioni servono a piegare, a interrompere la continuit\u00e0 della luce sul dipinto quel tanto che basta a costringere l\u2019occhio a riadattarsi continuamente. <\/strong>Le diverse porzioni iniziano cos\u00ec a sembrare appartenere a momenti diversi nel tempo, quasi come se pi\u00f9 stati della luce potessero esistere simultaneamente. Perci\u00f2, mentre dipingo, non penso in termini di \u201cgeometria contrapposta all\u2019emozione\u201d. Mi concentro sulla percezione e mi chiedo quale sia il minimo intervento necessario perch\u00e9 l\u2019esperienza del dipinto inizi a cambiare. Se una variazione di colore o un\u2019unica divisione verticale riesce a rallentare lo sguardo o a creare una diversa percezione dello spazio, allora ha svolto il suo compito.<\/strong><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Crepuscoli, albe e paesaggi diventano il punto di partenza di dipinti costruiti strato dopo strato, nei quali il riferimento al paesaggio iniziale si dissolve progressivamente, fino a lasciare emergere quello stesso senso di quiete, presenza e meraviglia che lo aveva ispirato. \u00c8 la ricerca di quella che Pinto definisce una \u201cluce interiore\u201d, che pu\u00f2 dirsi conclusa solo quando anche chi guarda l\u2019opera finita riesce, a sua volta, a percepirla.<\/p>\n","protected":false},"author":23,"featured_media":45781,"comment_status":"closed","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[38,84],"tags":[],"class_list":["post-45755","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-editorial","category-flash-it"],"yoast_head":"\nTheo Pinto, dipingere la luce per offrire connessione, presenza e stupore | Atmosfera Mag<\/title>\n<meta name=\"description\" content=\"Theo Pinto 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